Supercamara

Jeff Wall

De niño, Wall pintaba y dibujaba. Siendo adolescente empezó a interesarse por la fotografía “en el contexto del marco de referencia experimental y radical de los años 60 —tenía 18, 19 años—, mediante el arte conceptual y al tratar de involucrarme con lo que sucedía en aquel entonces”.

“me interesaban más los pintores de antaño. Me fascinaba Picasso y los artistas de ese tipo. Eso se mezclaba con mi interés por la fotografía, porque tenía el ejemplo de lo que la pintura podía hacer como arte visual, que siempre influyó en mi manera de ver la foto”.En 2002, Wall recibió el premio internacional de la Fundación Hasselblad en fotografía. En lo que va del nuevo milenio el artista ha tenido exposiciones en la Tate Modern, en Londres; en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Arte de San Francisco y el Deutsche Guggenheim, en Berlín.

Trabaja tanto a color como en blanco y negro: “Comencé a trabajar en color en los años 70, quería usar blanco y negro, pero no tenía los medios. Tardé mucho en lograrlo. Cuando empecé no tenía cámara, ni estudio, ni equipo de ningún tipo. Cuando podía conseguía el equipo prestado. Poco a poco conseguí esto, lo otro, compré una cámara y después de 15 años conseguí un lugar donde fue posible construir un cuarto oscuro con la finalidad de lograr el tipo de impresiones que quería. Mis fotos en blanco y negro tienen que hacerse de cierta manera y me tomó mucho tiempo realizarlas”.

Con las fotos de Wall, el espectador a veces pregunta si lo que ve realmente pasó o fue provocado: “En muchas de mis imágenes colaboro con las personas, preparo cosas; en ese sentido son lo que llamo cinematográficas, porque están hechas a la manera de las tomas fílmicas. Pero durante ese proceso muchos accidentes tienen lugar, muchos cambios suceden en el proceso de hacer esa película. Así que no existe una línea divisoria real, absoluta, clara entre lo que fue capturado y lo que fue ejecutado. Allí es donde está más ahora la fotografía, trabajando con la indefinibilidad de estos dos polos aparentes”.

Aunque el cuerpo pueda hundirse en el espacio de la representación, y la mirada sea cautivada por la calidad plástica de las fotografías, la imagen no desborda, guarda su distancia frente al espectador. Pese a las características físicas de la obra (dimensiones y calidad plástica), que invitan a establecer una relación directa entre esta última y su cuerpo, el espectador no se abandona a una experiencia exclusivamente física, de seducción, sino también a una experiencia reflexiva. El artista nos enseña a mirar. No hay com-pasión, no hay proyección, tan solo la experimentación.

Wall logra así un equilibrio notable: el espectador es solicitado pero no participa de la acción de la imagen. « Cinematografía » es una de las palabras que Jeff Wall utiliza para definir sus fotografías. A mitad de camino entre la fotografía, el cine y la pintura, la obra de Wall cuestiona la representación y estudia el proceso de figuración en si.

No considera la fotografía como la captura de un momento en el tiempo, aunque algunas de sus fotografías puedan aparentarlo, tal como Leche (1984) o A Sudden Gust of Wind (1993). En efecto, a primera vista, las imágenes pueden dar la ilusión de ser fotografías documentales o clichés instantáneos de la realidad, pero Wall trabaja minuciosamente la escenografita, pidiendo, por ejemplo, a las personas fotografiadas actuar o posar.

Cada foto está nutrida o trabajada a partir de obras maestras de la historia del arte, fuente principal del artista. Sin embargo, Wall rechaza la cita evidente, prefiere la alusión, la distorsión de sus fuentes. Para citar sólo dos ejemplos, A Sudden Gust of Wind hace referencia a Ejiri in Suruga Province (a sudden gust of wind) del pintor japonés Katsushika Hokusai y Picture for women (1979) a la obra Bar aux folies bergères de Edouard Manet.

(Ampliar imagen)

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Este Artista presenta fotografías de formato grande iluminado por atrás, son fotografías « Cibachrome », dichas también Ilfocrhome. En que consiste el cibachrome ? La plata destruye todos los colores inexistentes dejando aparecer solamente los colores existentes con una calidad y una saturación de colores excepcionales gracias al colorante de alta calidad incluido en el soporte. Es la razón por la cual la pigmentación de esos colores está garantizada por 50 a 80 años. Los UV no alteran esos colores.El procedimiento que emplea es revelar, primero, la fotos en papel transparente y formato grande, para luego ponerlas sobre un tejido blanco y así permitir acentuar la luminosidad, y finalmente las coloca dentro de un enorme cajón-marco con iluminación eléctrica al interior - una técnica que recuerda la pantalla cinematográfica o/y paneles publicitarios.

Propone imágenes cuidadosamente estudiadas, medidas, pesadas, que no sorprenden ni decepcionan: impresionan. En su sentido figurativo, pero también en el literal, al igual que los químicos de la fotografía dejan su huella indeleble en el papel.

Wall nos invita a una mirada reflexiva, sus imágenes mantienen la mirada expectante. El ojo debe leer. Un ojo atento, que la lectura de la imagen agudiza. No es una evasión, no es un viaje de exotismo: se trata de experimentar otra realidad, Wall es un verdadero demiurgo. A través de sus fotos, nos transmite su visión del arte. Cada una de ellas es un elemento del “manifiesto” de este artista canadiense (1946) que vive y trabaja en Vancouver, y cuya obra figura entre las galerías neoyorkinas más reconocidas.

Así que su “primer acto creativo” consiste en “no fotografiar nada”, es decir, “abstenerse de capturarlo, aunque sí experimentarlo, atestiguarlo, sea lo que sea”. Luego, Wall emprende un proceso “reconstructivo o constructivo”, en el que busca la manera de que la experiencia tenida en torno al tema halle la forma de convertirse en una imagen.

“Hay cosas que cambian. Por ejemplo, algunos de los temas (de sus fotografías), tal vez hayan sucedido en equis lugar, pero los fotografié en otra parte. Seguido regreso al lugar donde vi todo y pienso: ‘bueno, quizá puedo trabajar aquí’; sin embargo, el sitio ya no me parece el adecuado. En el proceso de reconstrucción desarrollo una especie de libertad artística para recrear el acontecimiento. “Mi objetivo al hacer esos cambios tiene que ver con dar cuenta de cómo fue experimentado el hecho. La transformación que sucede, ya sea reconstrucción o montaje, busca hacer lo que considero una buena imagen”.

Una imagen puede generar emoción a partir de su composición, sus tonos, la relación de formas, etc.... La figura tal vez sea sólo parte de esa construcción del sentimiento. Así que me interesa una relación emocional entre el cielo y el horizonte, entre un tono oscuro y otro más claro, entre un elemento vertical y uno horizontal”.

anónimo

Imágenes enigmáticas de fotógrafos desconocidos.

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Arte accidental:

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Veo fotografías por todas partes, como nos pasa a todos; vienen del mundo hacia mí sin que yo las solicite; son sólo "imágenes"; su modo de aparición es heterogeneo [...] Me di cuenta de que algunas provocaban pequeñas celebraciones, como si aludieran a un centro inmóvil, a un valor erótico o lastimado sepultado dentro de mí mismo....



Roland Barthes, Camera Lucida



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Hiroshi Sugimoto

Nacido en 1948, es un fotógrafoo japonéss radicado en Nueva York
El trabajo de Hiroshi Sugimoto (Tokio, 1948) constituye un deleite visual que se sustenta entre el alto nivel técnico de la imagen y su relación con un profundo sentido estético. A partir de la experimentación con nociones como espacio, tiempo, movimiento o abstracción, Sugimoto estudia la capacidad expresiva y estética de objetos tridimensionales y sus posibilidades visuales como elementos descontextualizados razón que le obliga, como ha dicho siempre, a no dar por terminada ninguna de sus series porque cree firmemente en la necesidad de seguir trabajando en ellas a lo largo del tiempo.

Para poder ver las imágenes de Hiroshi Sugimoto, hace falta parpadear varias veces. Es tanto el tiempo acumulado en ellas, que de un solo vistazo no se consiguen apreciar en su totalidad.

Es uno de los primeros que se atrevió en presentar la fotografía como arte en la década de los setenta, cuando se consideraba una técnica de segunda categoría, y llenarla de conceptos heredados del minimal art y del arte conceptual que surgía en aquel momento.

Viajero incansable, su trabajo se basa en dos máximas: buscar la perfección técnica y mirar siempre más. Las series en las que se ha embarcado hasta ahora repiten motivos a lo largo de todo el mundo, en un intento de apresar el tiempo, la idea primigenia, los cambios imperceptibles de la naturaleza... sólo posible a través de un depurado proceso mecánico.
El fenómeno de la percepción humana, relentizado para entroncar directamente con nuestra mente.



Dioramas:

Los dioramas de cera, comenzado en 1976, es una reflexión sobre el modo de eternizar al hombre, su evolución y sus momentos memorables. Las figuras vuelven a la vida al presentarse como escenas reales, pero quedan paralizados en las instantáneas, muriendo en la fotografía, comenzando de nuevo el funeral.

Theaters:

La serie de teatros de los años veinte y treinta, y que continúa con la de los auto-cines (desde 1978), recoge claramente la influencia de Carl Andre (Quincy (Estados Unidos), 1935) o DanFlavin (Nueva York, 1933 - Wainscott (New York), 1996): un rectángulo blanco central, que no es otra cosa que la captación de la proyección completa en la sala a oscuras. Captar todo, y al final no queda nada, sólo el brillo de la luz. Espacios que se repiten con ligeras diferencias en las sombras y en el brillo de la pantalla.

Un detalle, por los larguisimos tiempos de exposición de sus imagenes, se puede ver detras de la pantalla de este autocine, la ruta de los aviones (increible)



Sea of Buddhas
1.000 Budas Budhisattava Kannon de Kyoto

Las 48 tomas de los más de 1.000 Budas Budhisattava Kannon de Kyoto, revelan un caleidoscopio de esculturas brillantes del siglo XIII. El concepto de plenitud y eternidad de la cultura japonesa reflejado a través de su cámara, un nuevo campo de reflexión sobre el cambio con un trasfondo espiritual máximo.


Architecture
La Torre Eiffel, el World Trade Center, el edificio Chrysler o el Empire State, entre otros, aparecen como una nebulosa. Sin ningún tipo de alusión a su entorno o a la vida que les rodea, estas fotografías remiten al proyecto mental del arquitecto, sin fallos, sin detalles superfluos.

Fashion:








Conceptual Forms:












Seascapes :

Por último, la serie más querida de Sugimoto. Vistas de diferentes mares. Sólo cielo y agua, con cambios casi imperceptibles según la situación geográfica, el tiempo atmosférico o la hora. Fotos que mantienen al artista despierto para poder indagar en la idea de transformación en el paisaje más imperturbable de la tierra.

http://www.sugimotohiroshi.com/

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Los modos en que los artistas abordan la fotografía nos llegan hoy día tanto mediante el fructífero legado que han dejado en el arte durante las tres ultimas décadas como mediante su uso cotidiano.
Desde, luego sigue habiendo poco consenso en la comprensión actual de la fotografía. Las funciones sociales del medio han cambiado mucho durante el siglo XX, sobre todo a partir de la década de los 60.
Como consecuencia nuestro concepto sobre qué es la fotografía también se ha transformado. El hecho de que siempre es cuestión de la definición del medio se debe menos a la inestabilidad de su esencia que a la circunstancia de que la cultura requiriera diferentes aplicaciones del mismo.
Aun, así la fotografía continua fascinando, tanto como por ser conjunto de tecnologías creadoras de imágenes como por ser un medio de representación social. De forma significativa, el lugar central que ocupa en el arte aumento progresivamente durante los pasados treinta años y ha ido perdiendo protagonismo en la cultura contemporánea.
Pero más que volverla marginal, las imágenes producidas con las nuevas tecnologías han puesto en manifiesto que la fotografía necesita más espacio para respirar.
La conclusión es que sus posibilidades críticas y creativas perecen hoy más ilimitables que nunca.

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Sabes perfectamente qué opino de la fotografía.
Me gustaría que hiciera a la gente despreciar a la pintura,
hasta que algo lograra que la fotografía fuera insoportable.

Macel - DUCHAMP
Carta a Alfred Stieglitz, NY- 22 de mayo de 1922

William Eggleston In The Real World

http://www.egglestontrust.com/monographs.html

Susan Sontag

"Sobre la fotografía"

[Dowlown]

http://www.zshare.net/download/148371971d3b8440/

Creo, que los libros en digital solo deben ser tomados como referencias, es hermoso poder leerlos, tocarlos, llevarlos, olerlos.

Henri Cartier Bresson

Fecundo primeramente en la escuela Fénélon y el Liceo Condorcet de París, antes de estudiar pintura junto a Cotener, de 1922 a 1923, Andre Lhote, de 1927 a 1928. En 1931 se inscribió en la Universidad de Cambirge para perfeccionar sus estudios de pintura y filosofía.

Comenzo su carrera de fotógrafo en 1931, después de participar en una expedición etnologica en México, trabajo como fotógrafo independiente. En 1932, el galerista Julien Levy organizó su primer muestra individual. en 1935 adquirió sus promeros conocimientos sobre cinematografía junto a Paul Strand, y fue asistente operador Jacques Becker, André Zvoda y Jean Renoir. En 1937 filmó documentales sobre España y fue hecho pricionero por los alemanes en Baden-Wurtember, en 1940.Depués de sus evasión, en 1943, Cartiere Besson ingresó en el MNPGD (movimiento clandestino de ayuda a prisioneros y evadidos), una organización clandestina Fancesa. Después de 1945 volvió a trabajar como fotógrafo independiente. Sus fotografías fueron publicadas en un gran numero de obras, entre las que se cuentan " Imagenes precipitadas" , " de una china a la otra", o " Delitos en flagrante".
Cartire Bresson, fue una leyenda viviente. No hay ningún otro fotógrafo que, como el, sea citado tan amenudo para ilustrar una de las grandes posibilidades de la fotografía: La de fijar el mismo instante. Pra Cartiere Besson no se trataba de cualquier instante, como en el caso de los autores del 99% de los millones de imágenes hechas todos los días.

Para él sólo contaba " el momento decisivo" que llevaba en si mismo la situación.

Domingo en las orillas de Marne, 1938 - Gelatibromurom de plata 27,5 x 39,9 cm

Rue Mouffetard, París 1958 - Gelatibromuro de plata 37,2 x 25,1 cm

Cartir Bresson trabajo con casi todos los grandes periódicos internacionales. Fundo junto a Robert Capa, David "Chim" Seymourn y Geroge Rodger el grupo "MAGNUM

Link - Magnum Photgraphers (http://www.magnumphotos.com/Archive/C.aspx?VP=XSpecific_MAG.StaticPage_VPage&SP=photographers_list&l1=0&XXAPXX=SubPanel10)

Con este grupo viajó por la India, Brimania, Pakistán, China, Cuba, México, Canadá, Japón y la ex Unión Soviética.

Sevilla, España, 1933 - Gelatibromuro de plata 27,2 x 41,1 cm

Carttire Bresson insistió constantemente sobre hecho de que es posible aprender el arte de la fotografía. El tenía el talento de comprender rápidamente las cosas, al mismo tiempo una extraordinaria capacidad e reacción. Poseía un instinto que le hacia siempre encontrarse siempre, cuando la situación le interesaba, en el lugar apropiado y en el momento apropiado, para apretar el disparador cuando la situación alcanzaba el punto culminante. Así logró, siempre arrancar al pasado una fracción de realidad y hacerle una mueca burlona al tiempo.

Alberto giacometti 1961 - Gelatibromuro de plata 24 x 16,5 cm

Retrato a Alberto Giacometti, este presenta un interés particular, con una escultura en las manos, el artista atraviesa rápidamente su taller. Su figura borrosa y en posición inclinada hacia adelante, le asemejan a la figura negra del hombre que camina en el primer plano. Un solo vistazo a esta fotografía, basta para comprender definitivamente al escultor.

Henri Matisse, 1944 - Gelatibromuro de plata - 26,3 x 39,9 cm.

Cartire Bressone fue un fino observador, un hombre con gran capacidad para ver lo que quería ver y lo que le interesaba. En cierta oportunidad, se comparó con un pescador que tiene un pez en el extremo de la caña: de lo que se trata es de acercarse cautelosamente a la presa y darle el golpe fatal en el momento justo.

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Richard Avedon

Estudio filosofía en la Universalidad de Columbia, NY, antes de consagrase a la fotografía en calidad de auto didacta. en 1944 conoció a Alexey Brodovitch, el legendario director artístico de "Haper´s Bazaar" con el cual trabajo muchos años. En 1959, la aparición de su libro "Observaciones" tuvo una gran repercusión, este trabajo contenía retratos de personalidades y algunas de moda.

La total ausencia de miramientos en los retratos de este fotógrafo que, sobre fondo blanco hacia fluir la intimidad de los seres humanos, llamo por primera vez la atención del público y los artistas.

Sus fotografías de moda, en las cuales transcribía su visión personal de un mundo de imagenes vitales, muy próximo de la vida, le valió un extensa publicidad.
En efecto Avedon rompía con la fotografía, de estudio llevando a las modelos a las calles de París, los cafés y las revistas.

La foto " Dovinma con elefantes, traje de noche Dior, Cirque d´Hiver, París" agosto de 1955 es una de las más celebres fotografías de moda de Avedon y ciertamente una de las mas insólita.

Dovina con elefantes, traje de noche Dior, Cirque d´Hiver, París agosto de 1955 - gelatibromuro de plata 24,2 x 19,4 cm

La fotografía de moda de Avedon maraca una nueva era en la puesta en escena fotográfica, esta se convirtió en una ineludible referencia , para toda una generación de fotógrafos.

poco tiempo después realizo un trabajo sobre la lenta agonía de su padre (jaJacob Israel Avedon), esta serie es también un documento sobre sus relaciones con su padre, Avedon le arrancaba gestos y expresiones que había visto en su juventud y había impregnado su imagen de figura paterna. Esta es un serie conmovedora sobre la lenta gradación de una fuerte personalidad y sobre su retraimiento en si misma.

Con su libro "In the Amerinan West", Avedon quiso romper con el famoso mito del oeste norteamericano, del mundo llano e idílico de los cow-boys, para mostrara otro aspecto, el de los obreros y mineros, de los desocupados y de los pequeños empleados, de los blancos, negros y latino americanos.

De la serie "In the American west" es te pequeño vídeo

Las fotografías de Avedon montadas sobre tela, constituyen un gran hito en la historia de la fotografía. entre otras los retratos de los miembros de la "Warhol Factory" de los "Chicago seven", de la "Ginsberg Family" y del "Mission Council".
Entre sus retratos, "the Generals of the Daughters of the American Revolution", de 1963, ocupa un lugar muy particular. Allí Avedon realizó un retrato del grupo con una composición insólita. Esta foto, que es manifiestamente el estudio preliminar para un retrato oficial, fascina por su extraña composición y por la diversidad de relaciones que los personajes , aunque aislados, mantiene entre sí. También resulta insólito el retrato de Charles Chaplin, donde el actor remeda a su diablo. Su realización satisfizo un deseo del mismo Chaplin, el cual expresaba así sus sentimientos belicosos cuando fue obligado a abandonar Norteamérica, a causa de sus convicciones políticas.

Charles Chaplin, actor Nueva York, 13 de septiembre de 1952 - Gelatibromuro de plata 39,7 x 49,2 cm.

El retrato de Ezra Pound absorto de sí mismo y con una concentración casi dolorosa, es la obra maestra de una serie en la cual el escritor, frente a la cámara, revela - traduciendola al mismo tiempo en gestos - toda la amplitud de sus sensaciones y sentimientos.

Ezra Pound, Poeta, Rutherford, Nueva Jersey, 30 de junio de 1958 - Gelatibrmuro de plata 34,7 x27 cm.

Sea cual se el genero en el cual se desarrollo Rhichard Avedon, este siempre consiguió darle su impronta personal.

http://www.richardavedon.com/